Tag: Versions restaurées par Pathé

Adapté d'une pièce de théâtre d'Alfred Uhry ayant obtenu le prestigieux Prix Pulitzer en 1987, Miss Daisy et son chauffeur a également remporté une pluie de récompenses en 1990 : quatre Oscars dont ceux du meilleur film et de la meilleure actrice, trois Golden Globes, un Bafta, un Ours d'Argent à Berlin... Entre autres que l'on n'aurait pas la place de tous citer ici. Il faut dire aussi que l'attachant film de Bruce Beresford était, de par sa thématique et par les bons sentiments qu'il développe, le parfait aimant à récompenses à travers le monde.

Il y a quelques mois, Pathé avait étonné la petite communauté de cinéphiles français friands de découvertes en Blu-ray en ressortant de l’oubli Premier de cordée, tourné par Louis Daquin en 1944, qui s’avérait un curieux mélange de fiction et de documentaire, et s’imposait avant tout comme une déclaration d’amour à la montagne, majestueuse, sublime… mais surtout très dangereuse. Nouvelle stupéfaction dans les rangs des cinéphiles en ce début du mois de novembre : Pathé a remis ça, nous proposant de (re)découvrir Au grand balcon, film de patrimoine tourné par Henri Decoin en 1949, à vrai dire complètement oublié de nos jours, et dont la particularité est d’être un vibrant hommage aux pionniers de l’aéropostale dans les années 20…

On pense souvent que la tradition française du « film de gosses », qui exploserait en France avec le grand succès populaire de La guerre des boutons (Yves Robert, 1962), est né de la plume fine et poétique de Jacques Prévert et de ses fameux Disparus de Saint-Agil (Christian-Jaque, 1938). En y regardant de plus près, on pourra néanmoins supposer que l’inspiration de Prévert et Christian-Jaque venait du succès outre-Atlantique des Petites canailles, une série de courts films créée par le producteur Hal Roach, produits et diffusés entre 1922 et 1944 aux Etats-Unis. Comme son titre l’indique, la série suivait bien sûr les tribulations d’une petite bande d’enfants farceurs et indisciplinés. Les français découvriraient par la suite Les petites canailles à la télévision en 1962, année de sortie de La guerre des boutons ; il y a également de fortes chances pour que les quarantenaires d’aujourd’hui connaissent également la série, puisqu’elle fut diffusée à partir de 1984 dans Récré A2, parallèlement à la série animée de chez Hanna-Barbera mettant en scène la même bande de petits galopins.

Avec le recul, il y a fort à parier pour que la renommée de Claude Sautet ait largement bénéficié de ses nombreuses collaborations avec l’actrice Romy Schneider. Si Une histoire simple n’est certes pas le plus connu parmi les cinq films qu’ils ont tourné ensemble (on pense en effet plus facilement aux Choses de la vie ou à Max et les ferrailleurs), leur dernier film en commun était tout de même parvenu à réunir 2,3 millions de spectateurs dans les salles françaises : plus de deux millions de fidèles acquis au style du cinéaste et impatients de retrouver son univers si caractéristique.

Et si on vous disait que l’ancêtre (certes lointain) de films à grand spectacle tels que Everest ou Vertical limit prenait son origine dans un petit film français aujourd’hui largement oublié, vous y croiriez, vous ? Et pourtant, force est de constater que Premier de cordée, réalisé par Louis Daquin en 1944, fait partie de ces films entièrement construits autour d’un seul élément : la montagne, majestueuse, sublime… Mais surtout très dangereuse ! On le sait bien, car on nous l’a répété durant des années à grands renforts de publicité : la montagne, ça vous gagne. Mais la montagne, c’est aussi des dizaines de morts par an, alors c’est bien joli les neiges éternelles, mais faudrait voir à s’en méfier…

Très méconnus de nos jours, malgré de fracassants succès populaires dans les salles des années 50/60, les films de la saga « Lemmy Caution » ne se résument pas uniquement au Alphaville de Jean-Luc Godard. La Môme vert de gris fait partie de cette saga.

Adapté du roman « Les mystifiés » d'Alain Reynaud-Fourton (publié chez Gallimard dans la fameuse collection Série Noire, n° 717), Symphonie pour un massacre s'impose rapidement comme un thriller très noir, dont les influences majeures vont chercher du côté du « Film Noir » américain. Déployant une intrigue implacable, suivant une ligne directrice claire, le troisième long-métrage de Jacques Deray tourne autour d'une série de personnages de truands, semblant tous uniquement motivés par l’appât du gain et de savoir qui s'en mettra le plus dans les fouilles. Dès les premières séquences, qui mettent en scène José Giovanni et Charles Vanel, le ton est en effet donné : l'argent est considéré comme un moteur pour cette improbable gang de malfrats.

La glorieuse tradition du cinéma de genre n’a jamais été extrêmement développée à l’intérieur des frontières françaises. Néanmoins, dans les années 50/60, à la faveur de quelques productions internationales (franco-italiennes surtout) made in Cinecittà, le cinéma français s’est laissé aller à quelques titres flirtant volontiers avec le cinéma de genre tendance populaire. Ainsi, les films de cape et d’épée et autres romances historiques ont fait durant de nombreuses années la joie des cinémas de quartier, avec des films le plus souvent interprétés par Jean Marais ou Gérard Barray.

Depuis la publication des Liaisons dangereuses au XVIIIème Siècle, le roman épistolaire de Choderlos de Laclos n’a cessé de déchainer les imaginations. A la fin des années 80, on a même vu débarquer coup sur coup deux adaptations : Les Liaisons dangereuses (Stephen Frears, 1988) et Valmont (Milos Forman, 1989).

Si le tristement célèbre procès des « sorcières de Salem » (1692) a donné naissance, au fil des années, à de nombreux films, séries ou autres adaptations plus ou moins romancées, Les sorcières de Salem, mis en scène en 1957 par Raymond Rouleau, est probablement l'une des plus prestigieuses d'entre elles.

20 ans. Il aura fallu 20 longues années pour que Showgirls se voie enfin réhabilité. Du moins, c'est le temps qui fut nécessaire à une certaine frange de la critique française afin de comprendre qu'elle avait devant les yeux un véritable chef d’œuvre.

Comme pour s’octroyer une pause entre deux tournages des films composant la fameuse « trilogie marseillaise », Marcel Pagnol et Raimu se sont retrouvés, en 1934, aux côtés de Raymond Bernard sur le tournage de Tartarin de Tarascon. Adaptant avec truculence le roman d’Alphonse Daudet, Pagnol et Bernard donnent à Raimu un rôle extraordinaire, au cœur duquel il peut faire exploser toute sa fantaisie. Gestuelle, phrasé, dialogues : tout est devenu « légendaire » chez ce Tartarin-là.