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Tenant autant d’un nécessaire devoir de mémoire que du règlement de comptes en bonne et due forme vis-à-vis du Japon, Battleship Island revient sur une période sombre de l’Histoire de la deuxième Guerre Mondiale : l'évasion de plusieurs centaines de travailleurs forcés coréens détenus sur l'île japonaise d'Hashima, un camp de travail décrit dans le film de Ryoo Seung-wan comme un véritable camp de concentration aux conditions de vie inhumaines. Si le film a naturellement créé la polémique au Pays du soleil levant, Battleship Island a néanmoins rencontré un succès phénoménal au box-office sud-coréen, avec plus de six millions d'entrées.

Si le scénario du Secret des Marrowbone, habile et plutôt bien construit, tente pendant une bonne partie du métrage de nous convaincre que ce qui nous est donné à voir n’est ni réellement un film d’horreur, ni réellement non plus un film fantastique, le film de Sergio G. Sánchez emprunte tellement au cinéma de genre qu’il en finit par trahir sa véritable nature.

Pour réaliser Hostiles, Scott Cooper a travaillé de façon très sérieuse : il a adapté à sa façon la version préliminaire d’un manuscrit écrit par le scénariste Donald E. Stewart, en cherchant à lui donner un caractère universel ; il s’est entouré de spécialistes reconnus des amérindiens de façon à ce que soient fidèlement respectés le langage, les rituels et la gestuelle des indiens ; il a tenu à ce qu’une partie des dialogues se fasse dans la langue des Cheyennes et que les costumes soient le plus proche possible de ceux de l’époque. Pour trouver les grandioses grands espaces que le film traverse, il a suffi au réalisateur et au Directeur de la photographie de balader leur caméra dans le Nouveau-Mexique, l’Arizona et le Colorado, il y en a des « comme ça » à tous les coins de rue ! Concernant l’interprétation, il a repris Christian Bale qu’il avait déjà dirigé dans Les brasiers de la colère : il est grandiose ; il a fait le cadeau d’un rôle à « Oscar » à la comédienne britannique Rosamund Pike (En fait, elle n’a rien eu du tout et le film n’a même pas été sélectionné aux Oscars.

Si l'on avait bien remarqué le nom de Christian Gudegast il y a deux ans au générique de La chute de Londres, un film d'action extrêmement bourrin et réjouissant, rien ne pouvait en réalité nous préparer au choc ressenti à la découverte de Criminal squad, qui s'imposera sans la moindre peine comme « LA » tuerie atomique de l'année -voire même de la décennie- dans le petit monde du polar urbain.

A force de lire les réactions critiques autour de Killing Gunther sur différents sites et réseaux sociaux, on en vient à constater à quel point le public a la mémoire courte (ou sélective). En effet, le fait de voir Arnold Schwarzenegger dans une comédie semble offusquer nombre d’observateurs, et les critiques de pousser des cris d’orfraies… parfois avant même d’avoir eu l’occasion de voir le film ! Ainsi, si l’on a pu lire que Schwarzie « touche le fond » dans un film supposé « aussi mauvais qu’il en a l’air », on ne pourra que s’interroger sur l’âge moyen des rédacteurs de certains sites Internet, et sur l’avenir d’un métier où l’on ne juge plus les films sur ce qu’ils sont mais uniquement à l’aune de leur genre et de leur bande-annonce…

Si les événements du 11 septembre 2001 ont clairement changé la face du monde, il était inévitable que le cinéma américain s’en voie également profondément modifié : très rapidement, on a pu voir se dessiner un « avant » et un « après » World Trade Center dans le traitement des intrigues contemporaines, même quand ces dernières ne traitaient pas frontalement de l’attentat sur les tours jumelles. Comme pour dresser un rempart contre la barbarie, les studios se sont pour la plupart réfugiés derrière la bannière étoilée, brandissant haut et fort un patriotisme propre à réunir la nation contre la violence aveugle. Dans un réflexe de défense, et en hommage aux victimes des attentats du 11 septembre, tout un peuple semble donc s’être uni, la main sur le cœur et l’hymne national aux lèvres. Et si les actes terroristes sur les tours du World Trade Center l’ont peut-être exacerbé, on admettra tout de même que le patriotisme a toujours été une valeur forte –sinon fondamentale– aux Etats-Unis, et de fait, a également toujours été très présent dans le cinéma américain, au point que de nombreux observateurs extérieurs lui confèrent parfois des visées « impérialistes » pas forcément très pertinentes.

Susciter le rire est un Art dans lequel une poignée d’élus excellent. S’il semble indéniable que la comédie est une mécanique compliquée, la dynamique d'un gag réussi et le timing précis de la vanne qui tue sont en revanche des éléments qui apparaissent comme totalement subjectifs : qui ne s’est jamais retrouvé totalement affligé au cœur d’une salle de cinéma qui, elle, était complètement pliée de rire ? Ainsi, il parait bien difficile de lâcher sur le papier des assertions définitives telles que « ce n’est pas drôle », que l’on parle des Monty Python, des Chevaliers du fiel, du Splendid, des ZAZ ou des duettistes Aaron Seltzer / Jason Friedberg qui nous intéressent aujourd’hui.

En 2016, le duo Jon Lucas / Scott Moore, responsable des scénarios de la trilogie Very bad trip, avait proposé au public une sympathique virée du côté des mères de familles américaines délaissées avec Bad moms. S'il n'allait jamais réellement au bout de son concept de départ et n’atteignait jamais la portée doucement subversive qui fait tout le sel des comédies trash réussies, le film a néanmoins remporté un franc succès au box-office : presque 200 millions de dollars de recettes et un peu plus de 340.000 entrées en France.

Courant 2017, le cinéma de Ridley Scott a énormément fait réagir sur le Net en général, et sur les réseaux sociaux en particulier. Durant le premier semestre, c’était Alien : Covenant qui était l’objet de tous les regards, déchainant les haines et les passions au-delà de toute limite raisonnable. A l’automne, alors que les foudres des cinéphiles du monde libre avaient abandonné la carcasse fumante d’Alien : Covenant pour se concentrer sur le démolissage en règle de Justice League, c’est dans le contexte de l'affaire Weinstein que Ridley Scott reviendrait au cœur de tous les débats : suite aux accusations d'agressions et harcèlement sexuel de la part de plusieurs hommes à l’encontre de Kevin Spacey, le cinéaste a pris la décision, de concert avec ses producteurs et associés, de retourner avec un autre acteur toutes les scènes de son nouveau film Tout l'argent du monde dans lesquelles Spacey apparaissait.

L’Amérique fière et patriote n’aime pas trop qu’on lui tende la glace. C’est donc sans surprise que Bienvenue à Suburbicon n’a guère déplacé les foules parmi les spectateurs américains. En dépit de son sujet typiquement américain, souhaitons-lui un sort plus favorable sur le marché international. Car même si George Clooney ne nous a toujours pas convaincus complètement de sa maestria de metteur en scène de cinéma, il signe ici un film fascinant, un peu inégal certes, mais qui sait autant divertir par les frasques sanguinaires de ses personnages les plus mal intentionnés qu’il invite à sa façon un peu schématique à la réflexion sur des questions sociales hélas toujours de première importance.

La carrière de Jason Momoa (à ne pas confondre avec Jason Maoam, qui est juste un mec marrant parce qu’il a un nom de paquet de bonbons) se divise en plusieurs parties, que l’on distinguera aisément les unes des autres. De ses débuts 1999 et jusqu’en 2009, il se démarque par une image de pur beau gosse un peu bad boy et bodybuildé à l’aide de rôles récurrents dans des séries très populaires, faisant partie de celles que nul n’assume réellement d’avoir pu regarder / aimer un jour : Alerte à Malibu, North Shore : Hôtel du Pacifique, Stargate Atlantis…

Le musée des merveilles est adapté d’un livre de Brian Selznick, qui signe d’ailleurs le scénario pour la mise à l’écran. Auteur de Hugo Cabret, adapté il y a quelques années par Martin Scorsese, l’auteur se met encore à hauteur d’enfants. Todd Haynes, dont le Carol était en compétition il y a deux ans, se charge de transposer en images un récit qui avait la particularité d’être en écrit en prose pour une certaine époque (la fin des années 1970) et d’être dessiné pour une autre (la fin des années 1920).