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Le succès frappe au hasard et, comme la foudre, prend parfois des directions inattendues. Celui qui toucha le film d’animation Ghost in the shell en est le parfait exemple : ce film, qui déchaina les passions à travers le monde au milieu des années 90 tout en contribuant grandement à la reconnaissance publique et critique de la « japanimation » en tant que phénomène culturel majeur, était présent pile au bon endroit et au bon moment. En 1995, Ghost in the shell synthétisait en un seul et même film tous les éléments de la mouvance « cyberpunk » très en vogue à l’époque, non seulement au Japon (Gunnm, Armitage III) mais également aux États-Unis (Le cobaye, Johnny Mnemonic, Strange days). Visuellement bluffant, le film fut « adoubé » par des propos de James Cameron largement relayés dans la presse à travers le monde, et Ghost in the shell de devenir un classique instantané, une référence qui deviendrait une influence majeure sur tout un pan du cinéma et de la culture pour les dix ans qui suivraient.

Très populaire au Japon, le « mecha » est un sous-genre de la science-fiction ayant pour particularité le fait de mettre en scène des personnages utilisant de gigantesques armures robotisées et puissamment armées, sortes de chars d’assaut de forme humanoïde. Le genre apparaît après la Seconde Guerre mondiale, parallèlement aux monstres géants de type Godzilla, et demeure, encore aujourd’hui, particulièrement prisé et représentatif de la culture japonaise. Parmi les « mechas » les plus célèbres en France, on citera bien sûr Goldorak (UFO Robot Grendizer, 1975-1977), Robotech (qui est en fait une fusion de Macross et de deux autres séries, 1985), les films de la saga Patlabor ou encore la série Evangelion (Neon Genesis Evangelion, 1995-1996).

Au fil des années et des films, le récit post-apocalyptique à tendance écologique est devenu une spécialité japonaise, comme s’il s’agissait là d’une façon détournée d’exorciser les fantômes d’Hiroshima et Nagasaki. Dans Origine, Keiichi Sugiyama et les créatifs de chez Gonzo imaginent donc que la Nature s’est rebellée contre l’espèce humaine, et a détruit toute trace de civilisation. Les ruines de ce monde sont désormais partagées entre deux camps : d’un côté les humains, industriels et bellicistes, et de l’autre la forêt, qui se défend comme elle le peut devant les agressions du camp adverse. Pile entre les deux, on trouve la « Cité Neutre », construite et gérée par des humains, qui tente d’arrondir les angles entre ces deux tendances à la destruction. Mais le réveil de Toola, jeune femme cryogénisée et originaire du « passé », risque de faire balancer la tendance, d’un côté ou de l’autre…

Empruntant dans un premier temps autant au cinéma fantastique qu’au film « d’enquête » traditionnel que son titre français laissait pourtant augurer, Hana et Alice mènent l’enquête ne cache cependant pas longtemps sa véritable nature : celle d’un récit de coming of age prenant la forme d’une flânerie entre deux jeunes filles s’ouvrant leur cœur et se découvrant l’une l’autre. Les deux personnages principaux dégagent d’ailleurs une personnalité attachante, et le spectateur se laissera sans la moindre réserve porter par la beauté visuelle du film, qui développe au fil de sa narration une espèce de « flottement » quasi-onirique très plaisant. Drôle et poétique, Hana et Alice mélange les styles d’animation en un ensemble d’une justesse et d’une beauté visuelle peu conventionnelles et tout à fait surprenantes ; la mise en scène est par ailleurs remarquable, ne cédant jamais à la facilité et dénotant d’un sens du cadre tout à fait épatant. Laissez-vous donc porter par l’expérience !

Sorti sur les écrans français en 1999, Jin-Roh - La brigade des loups est, avec Akira (Katsuhiro Otomo, 1988), Ghost in the shell (Mamoru Oshii, 1995) ou encore Perfect blue (Satoshi Kon, 1997), un des mangas de science-fiction ayant probablement le plus marqué l’imaginaire des cinéphiles français, et sans nul doute un de ceux ayant contribué à donner ses lettres de noblesse à un genre encore trop souvent considéré comme mineur.

Le nom de Project Itoh ne vous dira peut-être rien, mais les amateurs de culture japonaise auront sans doute entendu parler de ce jeune auteur de science-fiction décédé en 2009 des suites d'un cancer et laissant derrière lui deux romans, Genocidal organ et Harmonie (disponible en français chez Panini Books) et les trente premières pages d'un troisième, The empire of corpses. Disparu à l'âge de seulement 34 ans, Project Itoh nous a laissé les bases prometteuses d'une œuvre qui s'annonçait aussi dense que vraiment variée, au point que beaucoup de japonais lui vouent aujourd'hui un véritable culte. De ce culte est né le projet insensé d'adapter pour le cinéma les trois récits du jeune romancier, sous la forme de films d'animation, tous mis en boîte par des studios différents pour une sortie commune à l'automne 2015. L'homogénéité graphique entre les trois films est assurée par le célèbre illustrateur / designer Redjuice, qui assurera pour la trilogie le poste de chara-designer.

Miss Hokusai est le fruit d’un pari gonflé et typiquement japonais : celui d’aborder le biopic ou film biographique par le prisme de l’animation. Adapté du manga de Hinako Sugiura, le long-métrage de Keiichi Hara (le formidable Un été avec Coo, ou plus récemment Colorful) prend donc le parti du récit documentaire, centré sur la fille d’Hokusai, célèbre artiste japonais du XIXème siècle, en y ajoutant bien sûr de sa folie avec des digressions purement fictionnelles ou fantastiques.

Développée par Mahiro Maeda et le studio Gonzo il y a déjà plus de dix ans, Gankutsuou - Le comte de Monte Cristo demeure une des séries les plus uniques et les plus indispensables jamais produites par ce studio incontournable. Avec son design aussi déroutant que littéralement époustouflant (tout en aplats comme une sorte de patchwork vivant)

Difficile de décrire exactement les émotions ressenties par le spectateur qui se lance dans l’aventure Space dandy. Conçue comme un terrain d’expérimentations formelles et narratives complètement fou et décomplexé, la nouvelle série créée par Shinichiro Watanabe déroute et amuse, imposant son rythme soutenu, son humour très particulier et ses épisodes presque tous plus barrés les uns que les autres. Mélangeant des concepts de science-fiction

Difficile de résumer l'action de Kill la Kill, tant sur le papier, la série pourrait paraître barrée et folle. Mais sur votre écran, elle le paraîtra encore bien plus ! Chtarbée, bon enfant, bourrinne, la série va à fond dans son délire priapique, ça ne s'arrête jamais de crier et de sauter dans tous les sens, ça va à 100 à l'heure et tout est parfaitement réalisé