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En l’espace de quelques années, le japonais Mamoru Hosoda est devenu une référence incontournable dans le domaine de l’animation internationale, au point même que ses films sont de nos jours très attendus par les cinéphiles.

Même sans avoir eu la chance de découvrir en France les romans de Project Itoh, la découverte de ce troisième film adapté de son œuvre permettra au spectateur de se familiariser avec l’auteur et ses préoccupations, qui apparaissent clairement à travers chacune de ses histoires. Probablement très fortement marqué par les événements du 11 Septembre 2001, Itoh semblait obsédé par l’ordre géopolitique mondial, dominé par la violence et les rapports de force, et par l’idée d’un ennemi invisible, indétectable, présent et installé au cœur même de la société (ce qui, sans vouloir faire de psychologie de comptoir, était sans doute également étroitement lié avec le cancer qui rongeait l’auteur depuis plusieurs années et aurait finalement eu raison de lui en 2009). On retrouvera évidemment ces deux thématiques ainsi que son indéniable penchant pour la science-fiction dans Genocidal organ, qui les traite d’ailleurs de façon beaucoup plus « frontale » que dans ses deux autres récits. En effet, si l’approche était plus philosophique dans et d’avantage symbolique dans The empire of corpses, les choses sont ici beaucoup plus claires.

La série Pop Team Epic est adaptée d’un manga au format quatre cases, auto-proclamé « de merde » et publié en ligne depuis 2014, que l’on doit à l’imagination de Bukubu « Bkub » Okawa. Ouvertement loufoque, voire même volontiers bizarre, ce dessin animé d’un nouveau genre ne suit aucune trame narrative, chaque épisode s’imposant comme un enchaînement de sketches et parodies, mené tambour-battant et s’avérant souvent aussi débile qu’efficace.

Si cette extraordinaire série animée japonaise a étonnamment peu fait parler d’elle lors de sa diffusion en 2016, Kiznaiver s’impose pourtant bel et bien comme une immense réussite : une série ambitieuse, riche d’une narration volontiers déstructurée, jonglant de façon habile avec des thèmes forts traités de façon souvent drôle mais se révélant au final suffisamment tendue pour devenir très rapidement complètement addictive – au point que l’on s’enquille facilement l’intégrale en quelques heures, sans même forcément prendre le temps d’établir une pause entre les douze épisodes de la série.

La nuit a toujours fasciné les artistes. La nuit, qui arrive comme un « négatif » de la journée, où tout semble « inversé », à l'envers ; la nuit, sa vie, son œuvre, sa faune, et tout ce qu'elle implique en termes d'errances, de personnages haut en couleurs – la nuit en tant que telle a déjà, à de nombreuses reprises, été le sujet « officieux » de quelques grands films, comme un personnage central, même si elle n'est jamais explicitement citée. On pense bien sûr au cinéma de Martin Scorsese (After hours, A tombeau ouvert), mais également à d'autres grands films « noctambules » explorant les arcanes de l'après-minuit : Naked (Mike Leigh, 1993), Night call (Dan Gilroy, 2014), Ouvert la nuit (Édouard Baer, 2016)...

S’il n’a réalisé que trois longs-métrages en l’espace de quinze ans, la filmographie de Masaaki Yuasa s’est vite imposée comme une des plus indispensables qui soient – dès son premier film Mind game en 2004, le spectateur médusé avait en effet pu découvrir une œuvre d’Art total, visuellement éblouissante et bouleversant totalement la « grammaire » cinématographique d’usage avec une inventivité furieuse et absolue.

@Anime nous propose de découvrir deux OAV dérivés de Tokyo Ghoul, appelés Jack et Pinto. Ces deux petites histoires indépendantes composent une jolie carte de visite pour le studio Pierrot.

Présenté à Cannes Classics en 2016 puis lors du Japan Expo en 2017, Momotaro le divin soldat de la mer est tout d'abord une sacrée curiosité historique : il s'agit du tout premier long-métrage d'animation en provenance du Japon. Sorti sur les écrans japonais en 1945, le film fut longtemps pensé détruit, jusqu'à ce qu'un négatif soit retrouvé au début des années 80. Film de propagande d'état, censé motiver les foules à s'engager dans l'armée et/ou à soutenir l'effort de guerre, le film de Mitsuyo Seo se base sur un classique sur folklore japonais qu'il transpose pendant la deuxième Guerre Mondiale.

Seize ans… Il aura fallu attendre seize longues années pour qu’un éditeur béni des Dieux, @Anime en l’occurrence, se décide enfin à sortir la petite merveille d’animation qu’est Princesse Arete en France, sur support DVD et Blu-ray. Avec le recul, il semble même insensé (in-sen-sé) qu’une œuvre aussi belle et authentiquement bouleversante, surpassant en termes d’impact et d’émotion la plupart des films made in Ghibli sortis sur nos écrans depuis vingt ans, soit restée si longtemps dans l’ombre et inconnue de tous (ou presque).

Entrant pour le moins rapidement dans le vif de son sujet, à grands renforts de scènes orientées Fantasy / Action, la série Gate emmène le spectateur au cœur d’un univers aussi foisonnant qu’intelligent, ne limitant pas son récit à la « simple » découverte et à l'exploration d’un monde parallèle, mais ajoutant à l’ensemble une dimension politique passionnante, décrivant une série de jeux de pouvoir pour savoir qui s’en appropriera en premier les ressources. Mettant sur le devant de la scène des notions de politique et de diplomatie internationale, à la façon par exemple de la sublime série Battlestar Galactica il y a quelques années, Gate mélange donc avec un certain brio un univers de fantasy médiévale très classique à une volonté nette de réalisme, avec une orientation des intrigues sur le terrain de la géopolitique, ce qui, à priori, pouvait paraître non seulement gonflé mais aussi et surtout très casse-gueule… Mais qui, au final, passe à merveille, question de dosage sans doute, d’autant que la série bénéficie du savoir-faire technique et narratif des équipes du studio A-1 Pictures (Fairy Tail, Sword Art Online).

Succès monstre au Japon, ayant provoqué un véritable raz-de-marée des ventes et tenant quasiment du phénomène de société, le manga L’attaque des titans créée en 2009 par Hajime Isayama s'est rapidement vu adapté pour le petit, puis pour le grand écran. Se déroulant dans un univers post-apocalyptique dans lequel les humains sont retranchés au cœur d'une ville-forteresse afin de résister aux attaques des « Titans », gigantesques et terrifiantes créatures qui dévorent les hommes, la première saison de la série suit, comme le manga, le parcours du jeune et déterminé Eren Jäger et de sa sœur adoptive Mikasa au sein d'une armée censée combattre les monstres et protéger l'humanité.

Comme on l’a évoqué dans notre test Blu-ray de la série Mobile Suit Zeta Gundam il y a une dizaine de jours, le « mecha » est un genre extrêmement populaire au Japon, et la série Mobile Suit Gundam originale, diffusée en 1979, constitue pour ainsi dire une véritable « pierre angulaire » dans le monde de l'animation japonaise : ce fut la première série à mettre en scène les méchas comme de simples armes, sans âme ni volonté propre, au contraire de séries antérieures mettant en scène de super-robots cosmiques luttant pour sauver le monde.