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Exceptionnelle par sa longévité, mais également grâce (ou à cause) de son interruption durant une quinzaine d'années, la série X-Files – Aux frontières du réel entretient de fait un rapport au temps tout à fait singulier. On ne pourra nier que cela a plus ou moins toujours été le cas, même durant les dix premières années d'existence du show (le titre du premier film adapté de la série, en 1998, n'était-il pas déjà The X-Files : Fight the future ?), mais les quinze ans d'absence de Mulder et Scully à la TV ont définitivement permis aux auteurs historiques du show Chris Carter, Glen Morgan, James Wong et Darin Morgan de placer les notions de « temps » et de temporalité au centre de toutes les préoccupations.

L'île aux chiens, on pourrait aisément l’interpréter comme une parabole sur notre temps, avec ses fléaux de populations entières déplacées pour des raisons initialement politiques et la classe dirigeante qui cède depuis toujours à la facilité populiste, plutôt que de chercher des solutions plus sophistiquées aux problèmes de son époque. Ou bien, pourquoi ne pas voir ce film tout simplement comme une grande aventure, riche en péripéties et en épreuves à surmonter ensemble, qui fait preuve d’un humour caustique particulièrement divertissant sur fond d’une animation foisonnante, mais pas non plus esthétiquement surchargée ?

Il est parfois amusant d’observer la façon dont circulent les idées au cœur des grands studios ; ainsi, depuis quelques années, la « Guerre Froide » semble au centre de toutes les intrigues, envahissant même le terrain du « Blockbuster » avec Red Sparrow.

On ne fait pas les choses à moitié : à l’occasion de la sortie en Blu-ray / DVD de La forme de l'eau, on s’est dit qu’un seul avis ne suffisait pas, et que même deux, c’était un peu juste afin d’évoquer la dernière œuvre de Guillermo Del Toro.

La présence de Zac Efron à l’affiche de The greatest showman est largement symptomatique du courant des comédies musicales de notre époque, clinquantes et aseptisées comme une production estampillée Disney

Au sein de la profusion de films de « djeun’s » qui occupent régulièrement les salles des multiplexes autant que les esprits de notre fougueuse jeunesse, la trilogie du Labyrinthe occupe une place un peu particulière.

Si le cinéma de Martin McDonagh a toujours été parfaitement sympathique, on n'ira pas jusqu'à clamer haut et fort que ses deux premiers films -pour mémoire Bons baisers de Bruges (2008) et 7 psychopathes (2012)- laissaient augurer d'une quelconque manière la claque ressentie à la vision de 3 Billboards : Les panneaux de la vengeance. Car en abordant de front un genre et une tonalité devenus depuis quelques années la chasse gardée des frères Coen, on ne s'attendait pas du tout à ce que le cinéaste parvienne à ce point à s'approprier cet univers, évoluant sur un fil très ténu entre l'humour très noir et la crudité du « réel », qui fait régulièrement et brutalement son irruption dans le récit.

Si à priori jusqu’à l’année dernière, tout le monde se foutait éperdument du personnage de Winnie l’ourson et de la façon dont il a été créé, au lendemain de la Première Guerre mondiale, par le romancier britannique Alan Alexander Milne, l’année 2017 aura néanmoins vu la naissance de deux projets tournant autour du mignon petit ours : Goodbye Christopher Robin, produit par la 20th Century Fox, inédit dans les salles en France, et Jean-Christophe & Winnie, produit par Disney, qui débarquera sur les écrans français le 1er août 2018.

Les créateurs de L’âge de glace et Rio adaptent Ferdinand, le conte pour enfants de Munro Leaf publié en 1936, déjà mis en images par Disney deux ans plus tard dans un court-métrage de belle facture. La passion numéro uno des Espagnols, la corrida, en prend pour son grade dans cette charge piquante, même si le sujet est en réalité l’aspiration à assumer sa propre personnalité malgré les pressions de ceux qui veulent vous pousser à vous conformer aux attentes extérieures.

Avec l’un des romans les plus connus d’Agatha Christie, Kenneth Branagh se retrouve devant et derrière la caméra, offrant au célèbre Hercule Poirot une incarnation très personnelle, dénuée de tout académisme. (...) Le prologue du Crime de l'Orient Express donne déjà une idée claire de la personnalité du nouveau Poirot, fidèle à ce que l’on en connaît mais plus complexe. Cette ouverture enjouée et précise souligne son tempérament quasi-maniaque, son esprit de déduction inégalé mais aussi ses nouvelles bacchantes, assez magistrales. Il est dépeint comme un être bienveillant qui voit le monde tel qu’il devrait être et en repère les imperfections pour les corriger. Son code moral est rigide, il désapprouve le meurtre sous toutes ses formes et ne tolère aucune exception. Farouchement attaché à la notion de bien et de mal, il devra pourtant revoir ses certitudes. Le récit s’ancre d’ailleurs plus sur la psychologie de Poirot et de ses proies que sur la résolution d’un assassinat. Ici, il est un homme avant tout porté par une forme de mélancolie sourde devant faire face au plus grand dilemme de sa carrière.

Avec son intrigue construite sur l’opposition entre une nature aussi flamboyante que cruelle et les grands sentiments humains (courage, détermination, amour), La montagne entre nous avait à priori tout du parfait candidat pour remporter une large série de récompenses à travers le monde. Pourtant, la sauce n’a pas pris auprès de la critique et du public américain : le film n’atteindra en effet que la note de 5,2/10 sur un panel de 151 critiques réunies par le site Rotten Tomatoes, et ne récoltera que 30 millions de dollars au box-office US… pour un budget de 35.

S’ils n’ont jamais su, au fil des films et des années, retrouver pleinement la magie qui animait leur coup d’essai Little Miss Sunshine en 2006, les duettistes Jonathan Dayton et Valerie Faris sont néanmoins parvenus à se dessiner, petit à petit (seulement trois films en douze ans), une filmographie rayonnante, humaine et sincère, composée de films que le public pourra sans aucun doute voir et revoir avec plaisir, de la même façon que les clips qu’ils signent depuis quelques années maintenant pour des groupes tels que, par exemple, Red hot chili peppers.