Blu-ray, DVD, livres

Les adaptations de jeux-vidéo au cinéma posent souvent la question de leur pertinence, de leur bien-fondé, entre deux arts qui ont en commun de reposer sur une image en mouvement. Les cinématiques (parties non jouées) des jeux forment de véritables intermèdes filmiques, et les jeux entiers eux-mêmes ont parfois pour ambition d’être « cinématographiques », comme si cela leur permettait d’accéder à un statut plus noble. Mais là où l’un utilise le montage pour raconter une histoire, forçant le spectateur à épouser le point de vue du réalisateur, l’autre repose sur l’interactivité entre le joueur, qui n’est plus simple spectateur, et l’environnement qui lui est présenté. Dans ce cas, quel intérêt d’adapter sur un grand écran un jeu sorti il y a moins de cinq ans (Tomb raider, de Crystal Dynamics, 2013) si c’est pour en rendre une copie quasi identique ?

Avec 60 ans de carrière et plus de 200 films répertoriés sur le site de référence IMDb, Jess Franco est un des artisans du « bis » les plus prolifiques des années 60/70. Régulièrement traitée avec la condescendance traditionnellement réservée au cinéma d’exploitation de l’époque, la filmographie de Jess Franco contient pourtant une véritable série de petits chefs d’œuvres, qui transcendent littéralement la notion de cinéma « bis ». Les éditeurs vidéo semblent d’ailleurs en être parfaitement conscients : comme pour fêter les cinq ans de la disparition du cinéaste, 2018 sera l’année Franco ! Après la sortie au mois d’avril chez Gaumont des Blu-ray de Cartes sur tables et du Diabolique docteur Z et Cartes sur table, le cinéaste est désormais à l’honneur chez Artus Films, avec la sortie début juin de La fille de Dracula (1972), Les démons (1973) et Les expériences érotiques de Frankenstein (1973), également en Haute Définition. Et en juillet, ce sera au tour du Journal intime d'une nymphomane (1973) et des Possédées du diable (1974) de débarquer dans de superbes éditions Blu-ray sous les couleurs du Chat qui fume…

En France, la carrière de Michele Soavi a véritablement explosé en 1995 avec la découverte de Dellamorte Dellamore, que de nombreux cinéphiles considèrent comme un véritable chef d’œuvre.

On ne fait pas les choses à moitié : à l’occasion de la sortie en Blu-ray / DVD de La forme de l'eau, on s’est dit qu’un seul avis ne suffisait pas, et que même deux, c’était un peu juste afin d’évoquer la dernière œuvre de Guillermo Del Toro.

Tenant autant d’un nécessaire devoir de mémoire que du règlement de comptes en bonne et due forme vis-à-vis du Japon, Battleship Island revient sur une période sombre de l’Histoire de la deuxième Guerre Mondiale : l'évasion de plusieurs centaines de travailleurs forcés coréens détenus sur l'île japonaise d'Hashima, un camp de travail décrit dans le film de Ryoo Seung-wan comme un véritable camp de concentration aux conditions de vie inhumaines. Si le film a naturellement créé la polémique au Pays du soleil levant, Battleship Island a néanmoins rencontré un succès phénoménal au box-office sud-coréen, avec plus de six millions d'entrées.

Si le scénario du Secret des Marrowbone, habile et plutôt bien construit, tente pendant une bonne partie du métrage de nous convaincre que ce qui nous est donné à voir n’est ni réellement un film d’horreur, ni réellement non plus un film fantastique, le film de Sergio G. Sánchez emprunte tellement au cinéma de genre qu’il en finit par trahir sa véritable nature. Bien sûr, il ne s’agit pas là d’une véritable surprise : Sánchez s’était fait remarquer il y a quelques années en écrivant le scénario de L’orphelinat, et l’on se doutait bien que le cinéaste entretenait une affection toute particulière pour les récits tirant sur le surnaturel. Dans le même ordre d’idées, une bonne partie du casting de son film est composé d’acteurs ayant été fortement « marqués » par le genre : on y retrouvera en effet Anya Taylor-Joy, découverte avec The witch et Split, Charlie Heaton, l’un des personnages récurrents de la série culte Stranger things ou encore Mia Goth, qui jouait dans le meilleur film fantastique de l’année 2017, Cure for life et

Pour réaliser Hostiles, Scott Cooper a travaillé de façon très sérieuse : il a adapté à sa façon la version préliminaire d’un manuscrit écrit par le scénariste Donald E. Stewart, en cherchant à lui donner un caractère universel ; il s’est entouré de spécialistes reconnus des amérindiens de façon à ce que soient fidèlement respectés le langage, les rituels et la gestuelle des indiens ; il a tenu à ce qu’une partie des dialogues se fasse dans la langue des Cheyennes et que les costumes soient le plus proche possible de ceux de l’époque. Pour trouver les grandioses grands espaces que le film traverse, il a suffi au réalisateur et au Directeur de la photographie de balader leur caméra dans le Nouveau-Mexique, l’Arizona et le Colorado, il y en a des « comme ça » à tous les coins de rue ! Concernant l’interprétation, il a repris Christian Bale qu’il avait déjà dirigé dans Les brasiers de la colère : il est grandiose ; il a fait le cadeau d’un rôle à « Oscar » à la comédienne britannique Rosamund Pike (En fait, elle n’a rien eu du tout et le film n’a même pas été sélectionné aux Oscars.

Ce film imprégné de bonnes intentions, pétri d’un rythme énergique, a convaincu. C’est Hard Rock’n’Roll ! C’est métal ! C’est bien pensé tout simplement. LA bonne surprise certainement de ce 23ème Festival International du Film Fantastique de Gérardmer. Et à la fin de la représentation, on a bien le droit de prendre notre guitare, et de l’exploser contre le sol à de nombreuses reprises, sentiment ultime et final qu’un concert de rock s’est parfaitement déroulé !

Un peu plus d’un an après une exploitation dans un circuit relativement restreint de salles françaises, Psiconautas débarque enfin en vidéo, à la fois sur support Blu-ray et DVD. Grâces soient donc rendues à Eurozoom, distributeur et éditeur indépendant ayant suffisamment confiance dans les qualités extraordinaires du film d'animation d’Alberto Vasquez et Pedro Rivero pour offrir à cet immense chef d’œuvre de l'animation contemporaine une deuxième vie dans votre salon.

Renouveler le genre assez commun de la première histoire d’amour n’est guère aisé. Luca Guadagnino y parvient magistralement avec Call me by your name, quête initiatique solaire, portée par un jeune acteur bouleversant (...), et réalise ce qui devrait rester comme l’un des films les plus émouvants sortis en 2018. Il dépeint avec pudeur et sensibilité une relation qui pourrait être dérangeante et ne l’est jamais.

Aussi inattendue que tardive, l’adaptation américaine du polar australien Animal kingdom (David Michôd, 2010) a tout de même fini par débarquer sur les écrans en 2016. Point de surprise à l’horizon pour les spectateurs ayant vu le film : la série développée par Jonathan Lisco renoue avec l'atmosphère tendue, poisseuse et délétère qui faisaient le charme d’Animal kingdom version cinéma. Mieux encore, cette première saison réussit l’exploit de s’avérer supérieure à son modèle, sans le sens où elle en prolonge les thématiques de façon réellement intéressante, les approfondissant même en creusant certains personnages dont le caractère était juste esquissé dans le film.

En élève assidu semblant avoir pleinement assimilé les leçons d’un George A. Romero, Joe Lynch choisit avec Mayhem de livrer une critique volontiers subversive de la société américaine contemporaine. Utilisant le canevas classique du film « d’infectés » afin de critiquer sans vergogne la violence sociale et professionnelle de l’ère Trump, le cinéaste et son scénariste Matias Caruso livrent une satire pour le moins mordante du monde du travail américain (que l’on pourra aisément élargir à une bonne partie du monde occidental) se transformant littéralement en un jeu de massacre assez jouissif au cœur duquel les employés d’un cabinet d’avocats, libérés de leurs inhibitions sociales, n’hésitent plus à tuer pour monter en grade dans la société.