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Une précision s’impose d’entrée de jeu concernant Les rescapés. Malgré ce que pourrait laisser croire son titre international, Werewolf, avec lequel il a récemment fait la tournée des festivals à travers le monde, le film d’Adrian Panek n’est pas un film fantastique, et encore moins un « film de loup-garou » : il s’agit en réalité d’un drame psychologique plutôt âpre, mettant en scène un groupe hétéroclite de jeunes enfants polonais échappés d’un camp de concentration luttant pour leur survie au cœur d’une forêt envahie par des chiens affamés.

Des dessins animés français, ça ne court pas forcément les rues. Alors bien sûr, côté budget, les productions made in France ne peuvent probablement pas rivaliser avec les productions Pixar, mais qu'il s'agisse d'animation à proprement parler, de fluidité ou de character design, les petits gars Tosti (Eric et Jean-François) qui se cachent derrière la réussite Terra Willy – Planète inconnue n'ont vraiment pas à rougir de leur bébé. Ambitieux, coloré, imaginatif, leur film ne fait certes pas dans la grande originalité, mais le récit des aventures de ce petit garçon naufragé en terre inconnue s'avère rythmé, drôle et plein d'action.

Après un 7 jours pas plus prenant le parti de la comédie « sociale », Héctor Cabello Reyes revient à ses premières amours avec Beaux-parents, une comédie co-écrite avec le chanteur / acteur / scénariste Bruno Bénabar...

Tourné en 1980, sorti dans les salles françaises en 1992 (!), Spetters est un film sulfureux, aujourd’hui surtout connu pour sa scène de viol collectif, qui révélerait à sa victime ses véritables penchants homosexuels. Pourtant, il ne s’agit là que d’un maigre détail du film, qui réunissait pour la cinquième fois le duo Paul Verhoeven (réalisation) / Gerard Soeteman (scénario). Verhoeven et Soeteman nous proposaient donc avec Spetters un film profondément ancré dans la société néerlandaise de l’époque, féroce et réaliste, dont on ne trouverait d’équivalent dans la carrière à venir de Verhoeven que plusieurs années plus tard avec Showgirls, qui peut être considéré comme son pendant féminin au cœur de la société américaine. En effet, les deux films suivent la trajectoire d’un personnage de classe sociale très modeste dans sa quête contrariée du succès, qui ne se fera pas selon son mérite mais révélera les aspects les plus sombres d’une société où tous les coups sont permis – même les plus rudes.

Malgré ce qu’on pourrait croire à priori, et en dépit des éléments promotionnels du film, qui décrivent régulièrement Rampant comme le premier film de sabre mettant en scène des zombies, l’introduction d’éléments fantastiques ou horrifiques au cœur du cinéma d’action asiatique n’est pas une nouveauté. Ainsi, vampires, ghoules et autres morts-vivants ont par exemple longuement fait les beaux jours du wu xia pian en provenance de Hong Kong dans les années 70/80 ; même son de cloche concernant le Japon, puisque des créatures surnaturelles ou issues du bestiaire fantastique ont fait leur apparition au cœur du chanbara depuis de très nombreuses années.

Voici neuf ans que les premiers épisodes de Meurtres à Sandhamn sont apparus sur les écrans suédois : neuf ans donc que la petite île de Sandhamn fait exploser tous les taux de criminalité du pays.

Cape et poignard États-Unis : 1946 Titre original : Cloak and dagger Réalisation : Fritz Lang Scénario : Ring Lardner Jr., Albert Maltz Interprètes : Gary Cooper, Lilli Palmer,...

Yona Rozenkier n'a pas voulu faire un film sur la guerre mais cette guerre quasi permanente que vit Israël depuis sa création est présente tout au long du film. surtout, par le formatage qu’elle opère sur les individus.

Huitième long-métrage de Jean-Luc Godard, Une femme mariée, dont le sous-titre poétique est « Suite de fragments d'un film tourné en 1964 », est, comme son titre l’indique, un portrait de femme. Ou plutôt une ébauche de portrait, forcément morcelé, parcellaire, comme l’implique cet assemblage façon puzzle de fragments, de morceaux de vie. Une femme mariée raconte aussi une époque, abordant les mœurs des français en cette période pré-révolution sexuelle. Amour, adultère, couple, contraception ou encore divorce sont donc au centre d’un film finalement beaucoup moins décousu que ce à quoi on pouvait s’attendre. Godard opte certes pour une narration volontairement fragmentaire, mais chaque nouvelle séquence apporte finalement au spectateur de quoi se construire mentalement l’histoire et les relations de cette femme, campée à l’écran par une Macha Méril toute en douceur et en retenue. D’un point de vue formel, Jean-Luc Godard ose tous les cadrages, s’amuse avec le montage et les plans très rapprochés, morcelant autant son image que son récit.

L'idée de produire un remake d'un film aussi « séminal » que La nuit des morts vivants pouvait paraître absurde, nulle et non avenue. C'était sans compter sur le talent de Tom Savini et de ses équipes qui, en 1990, sont pourtant parvenus à réaliser cet exploit : celui de proposer un prolongement bienvenu au film de George A. Romero, à la fois innovant, respectueux et d'une efficacité redoutable.

Une fois n'est pas coutume, je prends le parti de commencer cet article à la première personne, afin d'évoquer une anecdote qui me servira à introduire mes pensées autour de Greta, le dernier film en date de Neil Jordan. Cela remonte à quelques années, alors que je n'officiais pas encore sur critique-film.fr mais sur un site de cinéma un peu plus « important » en termes de visibilité sur le Net ; un site aujourd'hui uniquement consacré aux news autour des films de super-héros et des chiffres au box-office de tel ou tel blockbuster, toujours annoncés comme si catastrophiques qu'on finit par se demander comment font les gros studios pour ne pas couler les uns après les autres. Sous l'impulsion de notre rédacteur en chef de l'époque (qui n'avait de rédac' chef que le titre), l'ensemble de la rédaction s'était creusé le ciboulot afin de retrouver dans ses souvenirs « LA » scène la plus angoissante qui soit, tirée de n'importe quel film. L'issue de ce brainstorming fut très surprenante pour moi, puisqu'à la lecture de l'article, je découvrais dans la liste dressée par mes petits camarades de jeu de l'époque la séquence d'ouverture du Justicier de New York (Michael Winner, 1985). Or il se trouve que cette scène, prenant place dans un parking souterrain, je la tenais pour ma part comme ouvertement parodique (ce qui, comme dans le cas du Commando de Mark L. Lester tourné la même année, pourra certes être discuté) ; pire encore, je la considérais – et la considère toujours – comme absolument hilarante, presque digne des délires visuels des Zucker – Abrahams – Zucker.

Si l'on part du principe que dans l'inconscient collectif, 50% de la population serbe est composée de truands et de dealers (les autres 50% étant constitués de putes et d’escort girls), il semble finalement assez étonnant qu'un polar hardcore venu de Serbie n’ait pas réussi auparavant à frayer son chemin jusqu’à nos contrées. Rassurez-vous, on déconne bien sûr, mais cela dit, de mémoire de cinéphile, South Wind est le premier polar serbe que nous ayons l’occasion de voir en France, ce qui s’impose dès lors comme un petit événement. Gros succès du box-office 2018 dans les Balkans avec plus d’un million d’entrées, le film de Milos Avramovic a même donné naissance à une série TV qui, si elle s’avère aussi intéressante que le film, risque bien de donner naissance à une franchise étonnante.