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Tourné au début des années 60, Les lions sont lâchés est une petite comédie de mœurs racontée d'un point de vue exclusivement féminin, d'une fraicheur vraiment étonnante, mais développant également -dialogues de Michel Audiard obligent- un cynisme vis à vis des femmes tendant presque à la misogynie pure et simple.

A l’origine, il y avait American girls, petite comédie tournée en 2000 par Peyton Reed. Si le film n’a réalisé que 260.000 entrées en France (il faut dire aussi que le phénomène « pom pom girls » n’a jamais réellement pris dans l’hexagone), le film a fait un véritable carton aux États-Unis avec 153 millions de dollars de recettes, dont 62 millions sur le seul marché de la vidéo. Le résultat de ces excellents chiffres a naturellement engendré une suite en 2004, puis d’autres en 2006, 2007 et 2009. American girls 6 : Confrontation mondiale débarque donc de façon assez inattendue huit ans après le dernier épisode en date…

Rien n’est plus volatile que la comédie française. Ainsi, pour une comédie qui trouve son chemin vers le cœur du public et atteint dans une certaine mesure « l’immortalité », ce sont grosso modo dix petites comédies qui rejoignent les strates obscures de la mémoire collective. Qu’il s’agisse de réalisateurs reconnus (Claude Zidi, Gérard Oury, Georges Lautner…) ou même d’acteurs très populaires, il semble que nul ne soit réellement à l’abri, à un moment ou à un autre, d’apparaître au générique d’une comédie dont le titre finira noyé dans la masse de ces films inconnus, dont la plupart des cinéphiles affirment, en toute bonne foi cela dit, n’avoir « jamais entendu parler ». Cette malédiction de la mémoire frappe tellement au hasard qu’elle s’attaque même parfois à des comédies ayant rencontré, au moment de leur sortie en salles, de confortables succès publics. Il convient donc de saluer Gaumont qui, motivé par un indispensable de mémoire, s’évertue, année après année, à ressortir de l’oubli quelques petites comédies françaises dont plus personne ne semble même se remémorer l’existence. L’invité surprise (1989) fait partie de ces exhumations inespérées réalisées par Gaumont.

Souvent qualifiés d’anti-James Bond, les récits d’espionnage imaginés par John le Carré privilégient clairement le réalisme et la description précise d’une série d’enjeux socio-politiques, au détriment de l’action et des délires exotiques signés Ian Fleming, et adaptés au cinéma à partir de 1962 avec James Bond 007 contre Dr. No. Quand il décide d’aborder l’adaptation d’un roman de John le Carré en 1966, cinq films mettant en scène l’agent 007 sont déjà sortis sur les écrans du monde entier, et Sidney Lumet a donc bien en tête ce à quoi ne ressemblera PAS The deadly affair, qui sortirait en 67 en France sous le titre M.15 demande protection. Paradoxalement

Les salauds dorment en paix et les héros ont le sommeil fragilisé par le poids de la culpabilité, de la difficulté de mener à bien la lutte pour une certaine idée de la justice. Contraints de manipuler et de cacher certaines vérités pour faire exploser la vérité, ils sont contraints de se salir mais sont victimes de leurs mansuétudes. Les éléments plus sombres sont aggravés par l’apparente légèreté du ton dans les rapports entre certains des personnages, perdus par leurs actes de générosité. Beaucoup d’humour dans ce film noir qui annonce les polars paranoïaques à l’américaine et où on joue avec les fantômes. Ceux qui sont morts et ceux qui ne le sont pas vraiment pèsent sur cette histoire au rythme haletant. La mémoire de la guerre sous-tend les motivations de ceux qui luttent pour la justice dans un monde corrompu. Une critique forte des réflexes de servilité et de l’esprit de sacrifice absurde dans la communauté japonaise entre cadres et employés, qui n’hésitent pas à toutes les pratiques pour arriver à leurs fins et cacher leurs méfaits, y compris en utilisant leurs proches.

Le destin est au tournant a contribué à révéler au monde le talent de Richard Quine et Blake Edwards, qui avaient déjà collaboré sur un certain nombre de films plus légers auparavant, mais dont les efforts conjoints dénotaient ici d'une ambition bien supérieure. L'intrigue du film, d'une simplicité trompeuse, se concentre sur un homme timide, introverti et solitaire, Eddie Shannon (Mickey Rooney), qui travaille dans un garage de Los Angeles en tant que mécanicien, un travail lié à son amour des voitures, unique domaine au cœur duquel il fait preuve d'une maîtrise – en tant que mécano autant qu'en tant que pilote. Rêvant d'une carrière dans le monde de la course, le personnage nourrit en quelque sorte son extrême solitude, qui feront de lui une proie facile pour la Femme Fatale du film, Barbara Mathews (Dianne Foster), qui complote avec deux truands, Steve et Harold, interprétés par Kevin McCarthy et Jack Kelly, afin de dévaliser une banque de Palm Springs. Bien sûr, le rôle de Barbara est de piéger Eddie afin que le trio puisse profiter de ses talents de chauffeur...

Une chose est sûre, le visionnage de la première saison de The Strain ne dépaysera pas les amateurs du cinéma de Guillermo Del Toro. On retrouve en effet dans cette adaptation de la série de romans qu’il a lui-même écrite avec Chuck Hogan (disponible dans toutes les bonnes librairies, sous le titre La lignée) bon nombre des obsessions du cinéaste, à tel point que l’on ne pourra s’empêcher, durant le visionnage de la série, de dresser mentalement des passerelles avec le reste de son œuvre.

Ni dieu ni maitre : Une histoire de l’Anarchisme ose l’objectivité et la remise en question, et s’impose comme un document indispensable et riche à tout citoyen s’intéressant à la question de l’Anarchisme…

A moins d'avoir une fille entre neuf et treize ans passionnée de chevaux (de cette génération biberonnée à coups de « Grand galop » et de « Cheval magazine »), d'avoir grandi dans un PMU avec les champs de courses comme seul horizon d'évasion ou tout simplement d'être passionné par l'Histoire de la Hongrie, il y a relativement peu de chances que le nom de Kincsem vous soit familier.

Mettant en scène un groupe de nains voyageant d’époque en époque pour piller les richesses des grands moments de l’Histoire, le film fait en effet montre d’un mauvais esprit revigorant, proposant des idées sombres et brillantes, parfois presque abstraites, et de mémorables séquences décalées et/ou effrayantes qu’aucun producteur...

Développé par Joseph Campbell dans son livre « Le héros aux mille et un visages » paru en 1949, le concept du monomythe (monomyth) avance l'idée que tous les mythes du monde racontent essentiellement la même histoire, dont ils ne seraient que des variations. Campbell y exposait donc une « structure universelle » en cinq grandes étapes qui composent le voyage initiatique du héros. L'américain Christopher Vogler a subdivisé l'ensemble en douze étapes destinées au cinéma dans A Practical Guide to the hero with a thousand faces ainsi que ainsi que dans son ouvrage « The writer's journey : Mythic structure for storytellers and writers ». Des sagas telles que Star Wars, Harry Potter, Le seigneur des anneaux ou encore Dragons suivent plus ou moins à la lettre la structure narrative mise en évidence par Campbell.

Quatre ans après son célèbre Dracula, Tod Browning revenait donc au mythe vampirique en 1935 avec La marque du vampire. Techniquement superbe, donnant à voir au spectateur des compositions de plans littéralement somptueuses, mettant à nouveau en scène Bela Lugosi dans le rôle d’un lugubre vampire