Blu-ray

Courant 2016, on a vu apparaître une série de DTV (« Direct To Video ») faisant suite aux cartons du box-office réalisés par Universal Pictures dans les années 90/2000 : Chasse à l’homme, Un flic à la maternelle, Un flic et demi, Tremors, American girls, Méchant menteur, Death race, Le roi scorpion… Ces trois / quatre dernières années, tous ces films ont vu naître des suites / reboots tardifs. Sans avoir de don de clairvoyance, on avait donc pu prévoir dès 2016 que Backdraft aurait sans doute eu également droit à sa suite, et cela vient juste de se produire avec Backdraft 2, réalisé rien de moins que 28 ans après le film original !

Pour son deuxième film d’horreur au sujet toujours aussi fortement teinté de politique, Jordan Peele s’est vu allouer les moyens de ses ambitions par ses producteurs – le budget annoncé de Us est de 24,6 millions de dollars, alors que Get out n’avait quant à lui bénéficié que de 4,5 millions.

Projet porté par la nostalgie, développé autour du désir de porter à l'écran une adaptation « live » de leur dessin animé d'enfance, Nicky Larson et le parfum de Cupidon semblait l'occasion idéale afin de reformer à l'écran la fameuse « Bande à Fifi ».

D’une façon extrêmement étonnante, Escape game n’est pas une production Blumhouse. Même s’il en affiche à priori tous les atours – budgétaires, promotionnels, mais également formels et narratifs...

La redécouverte de La saignée, presque 50 ans après sa sortie, tient du miracle. Film quasi-inconnu, invisible si ce n’est pas le biais d’une antique VHS éditée par Proserpine dans les années 80, le film de Claude Mulot s’impose comme « LA » pépite inattendue de cette année 2019.

Dans le monde très codifié du polar contemporain, le fait d'hériter d'un sac rempli à craquer de billets de banque n'augure généralement rien de très bon pour la suite des événements. La teneur des quiproquos qui s’enchaineront par la suite pourra s’avérer encore plus radicale quand le magot disparu échoue entre les mains de « pieds nickelés » à l’intelligence limitée, n’ayant aucune connaissance des arcanes du crime organisé ou ne s’avérant pas particulièrement doués dans l’Art de la dissimulation. Très influencé par des cinéastes tels que les frères Coen ou Quentin Tarantino, Allan Mauduit décide de jouer avec les codes du cinéma américain, et compose avec Rebelles sa propre conception du polar teinté d’humour noir.

Vingtième film d'animation à évoluer dans l'univers du manga Dragon Ball, créé en 1984 par Akira Toriyama, Dragon Ball Super : Broly s’est imposé, d’une façon finalement assez étonnante, comme un véritable événement cinématographique à travers le monde entier. Avec plus de 820.000 entrées en seulement trois jours d’exploitation au Japon (et un milliard de yen de recettes), le film a littéralement cassé la baraque, et s’est peu à peu forgé une excellente réputation dans le reste du monde, affichant notamment actuellement une note moyenne de 8/10 sur le site de référence IMDb, calculée sur les votes de plus de 17.000 cinéphiles. Il faut dire aussi qu’en l’espace de 35 ans, les multiples mangas et séries Dragon Ball nés de l’imagination d’Akira Toriyama ont eu le temps de faire leur trou, au point de devenir une référence culturelle aussi majeure qu’incontournable.

S’il ne s’agissait certainement ni de la série B la plus honteuse de l’année, ni de la carrière de Sylvester Stallone, ce dernier a eu la dent dure sur les réseaux sociaux à l’encontre d’Évasion 2 : Le labyrinthe d'Hadès, qu’il a récemment qualifié de « plus qu’horrible » (« beyond awful »). Il est vrai que le petit film de Steven C. Miller, avec lequel nous avions été relativement indulgent lors de sa sortie en Blu-ray / DVD l’année dernière, s’est vu attribuer une notre cumulée de 3.8/10 sur le site de référence IMDb, ce qui est loin de figurer parmi les meilleures notes de la filmographie de Sly. L’acteur plaçait donc tous ses espoirs dans Évasion 3 : The extractors, réalisé par son complice de toujours John Herzfeld. Une quinzaine de jours après sa sortie en vidéo aux États-Unis, Évasion 3 débarque aujourd’hui en France ; à ce jour, sa note sur IMDb n’est pas beaucoup plus glorieuse, le film culminant à 4.4/10, sur la base des votes de 3365 cinéphiles du monde entier.

Gros succès littéraire du début des années 2000, La Peau froide (La pell freda) est un roman assez indispensable signé par l’auteur – et anthropologue de formation – Albert Sánchez Piñol. Il est adapté au cinéma par Xavier Gens sous le titre Cold Skin.

Même s’il s’agit d’un film relativement oublié de nos jours, dont la notoriété dans l’hexagone n’a guère dépassé une poignée de passionnés de fantastique, La rose écorchée risque bien de surprendre les cinéphiles contemporains qui, s’ils ne l’ont jamais vu, découvriront aujourd’hui une œuvre importante, belle, inspirée, touchant par moments littéralement au sublime. Ne serait-ce que d’un point de vue purement visuel, le film de Claude Mulot s’impose très rapidement comme une véritable merveille, baroque et sensuelle, sublimée par la photo de Roger Fellous. Décors grandioses, brume omniprésente, éclairages sophistiqués, le film passe en un clin d’œil du tableau de maître au kitsch le plus assumé, et crée par là même un contraste plongeant le spectateur dans un univers pictural étrangement et assez paradoxalement homogène, d’une beauté saisissante. La musique et l’histoire en elle-même, traitant d’un amour fou dépassant toutes les limites acceptables socialement parlant, en rajoutent encore dans la poésie macabre et mélancolique développée ici par Claude Mulot. Mais La rose écorchée n’est pas juste un bel objet creux – si bien sûr le film privilégie les plans longs plutôt qu’un montage sec ou nerveux, Mulot fait preuve d’un sens du suspense et de la narration que l’on ne croisait finalement pas si souvent au cœur des œuvres peuplant le cinéma « bis » de l’époque : les rebondissements se succèdent sans temps mort, le rythme est excellent, et l’intérêt du spectateur est maintenu en éveil du début à la fin du film.

Depuis la séparation des Monty Python, puis du trio Zucker-Abrahams-Zucker, les amateurs de comédies ont parfois bien du mal à trouver chaussure à leur pied côté grosse marrade. Beaucoup de comédies contemporaines s’avèrent en effet écrites par des manches pour qui la notion de « sens du gag » est probablement un Graal inaccessible, et qui compensent difficilement en soignant punchlines ou casting. La comédie est une mécanique compliquée, et bien des malheureux s’y cassent les dents car n’ayant rien compris à la dynamique d’un gag réussi, au timing précis de la vanne qui tue.

Au contraire d’un gars comme Peter Hyams, honnête artisan de la série B qui a toujours su privilégier l’efficacité aux artifices techniques et aux effets stroboscopiques, Russell Mulcahy n’est jamais vraiment parvenu à se trouver un style hors des clips « plus 80’s tu meurs » qui l’ont fait connaitre, et qu’il a mis en boite pour de fiers représentants de la décennie spandex fluo, tels que Duran Duran ou Billy Joel. D’où une carrière en dents de scie oscillant le plus souvent entre le mauvais et le très mauvais, allant d’un Highlander ô combien surestimé à une flopée de téléfilms qui feraient passer le cinéma d’Uwe Boll pour du Kubrick.